La Ventana del Arte

LA VENTANA DEL ARTE

La galería más pequeña de SHAPÓ OLÉ. Abierta al público las 24 horas.

¿Qué es?

La Ventana del Arte es un proyecto expositivo de SHAPÓ OLÉ Studio en San Pedro Alcántara que transforma el escaparate del estudio en una pequeña galería abierta a la calle.

Su objetivo es acercar el arte contemporáneo al día a día de las personas, creando un punto de encuentro entre artistas, vecinos, visitantes y futuros coleccionistas. A través de un formato accesible y visible las 24 horas, el proyecto invita a descubrir el trabajo de artistas de distintas disciplinas y a establecer una relación más cercana con la creación contemporánea.

San Pedro Alcántara, perteneciente al municipio de Marbella, es una localidad en constante crecimiento donde conviven residentes, visitantes nacionales e internacionales. La Ventana del Arte nace con la voluntad de ampliar la oferta cultural del entorno, fomentar el interés por el arte contemporáneo y ofrecer a artistas emergentes y consolidados una plataforma de visibilidad fuera de los espacios expositivos tradicionales.

Más que un escaparate, La Ventana del Arte es una invitación a detenerse, observar y descubrir que el arte puede formar parte de la vida cotidiana.

Dirección del proyecto

Fernanda J. Carregado

Curaduría

Alba Jiménez Sánchez

LA VENTANA DEL ARTE

The smallest gallery of SHAPÓ OLÉ. Open to the public 24 hours a day.

What is it?

La Ventana del Arte is an exhibition project by SHAPÓ OLÉ Studio in San Pedro Alcántara, transforming the studio’s window into a small street-facing gallery.

Its aim is to bring contemporary art into everyday life, creating a meeting point between artists, local residents, visitors and future collectors. Through an accessible format visible 24 hours a day, the project invites people to discover the work of artists from different disciplines and to establish a closer relationship with contemporary creation.

San Pedro Alcántara, part of the municipality of Marbella, is a growing area where local residents and national and international visitors come together. La Ventana del Arte was created with the intention of expanding the cultural offer of the area, encouraging interest in contemporary art and providing both emerging and established artists with a platform for visibility beyond traditional exhibition spaces.

More than a shop window, La Ventana del Arte is an invitation to stop, observe and discover that art can be part of everyday life.

Project Direction

Fernanda J. Carregado

Curatorship

Alba Jiménez Sánchez

Templum

Antonio Morales y Gianella Libonatti

16 mayo al 5 julio

El término templum, en su origen latino, no designaba un edificio, sino un espacio delimitado. En la práctica augural romana, el templum era una porción del cielo o de la tierra trazada simbólicamente para observar e interpretar los signos.Antes que construcción, fue un acto: señalar un límite para hacer visible lo invisible. A lo largo de la historia del arte, este gesto de delimitación ha encontrado distintas formas de manifestarse. En la pintura religiosa, desde los iconos bizantinos hasta las composiciones del Renacimiento, el espacio pictórico funciona como un recinto simbólico donde lo sagrado se hace presente. Obras como La Trinidad de Masaccio o La última cena de  leonardo da Vinci no solo representan escenas religiosas, sino que construyen arquitecturas visuales que ordenan la mirada y la conducen hacia una experiencia de contemplación.

Con la llegada de la modernidad, este principio no desaparece, sino que se transforma. En la fotografía, el encuadre se convierte en una forma contemporánea de templum: un recorte que selecciona y dota de intensidad a un fragmento de realidad. Fotógrafos como Alfred Stieglitz entendieron la imagen como un espacio de elevación de lo cotidiano, mientras que Minor White profundizó en la dimensión espiritual de la fotografía, concibiéndola como un medio para revelar estados interiores y experiencias  nvisibles.En este tránsito, lo sagrado deja de estar ligado exclusivamente a lo religioso para desplazarse hacia la experiencia de la mirada. La imagen ya no necesita representar lo divino para activarlo: basta con delimitar, con aislar, con proponer un espacio de atención.

La exposición TEMPLUM se sitúa en esta continuidad, proponiendo una reflexión sobre cómo este gesto originario sigue operando en la práctica contemporánea. A través de la obra de Antonio y Gianella, el concepto se desplaza hacia dos territorios fundamentales: el cuerpo y la ciudad. Dos formas de

delimitar el mundo. Dos maneras de hacer visible aquello que, sin ese gesto, permanecería oculto. Así, el templum deja de entenderse como un lugar fijo para convertirse en un proceso: una acción que, al trazar un límite, abre un espacio de significado.

Transformación

Pilar Rodriguez Rivas

21 marzo al 18 abril 

Todo en la naturaleza está en constante transformación. Las fibras vegetales se descomponen, se mezclan y renacen convertidas en papel, del mismo modo que las experiencias se depositan en la memoria y transforman nuestra manera de mirar el mundo.

En Transformación, Pilar Rodríguez Rivas convierte el papel en un espacio de encuentro entre materia, naturaleza y experiencia vital. Cada obra nace de un proceso donde transformar no significa únicamente cambiar de forma, sino también escuchar, acoger y permitir que algo nuevo emerja.

El papel contiene su propia historia: fibras vegetales, restos orgánicos y materiales reciclados atraviesan un proceso de descomposición y recomposición hasta adquirir una nueva identidad. Este gesto artesanal conecta con los ciclos naturales, donde todo está en movimiento.

La transformación de la materia se une a una transformación personal. A través de su práctica, la artista explora la memoria, la identidad y la relación con la naturaleza como espacio de aprendizaje y reencuentro.

Obras como Transformación, Búsqueda interior, Vuelta a casa, Mujer salvaje, Enraizada, Diálogos con la Naturaleza o Ruido mental reflejan esta búsqueda hacia una conexión más profunda con uno mismo y con el entorno.

En la serie Mujeres Raíz, la artista revisa el linaje femenino y recupera la identidad de madres, abuelas y antepasadas más allá de los roles que históricamente les fueron asignados.

En La naturaleza dibuja, la propia materia participa en la creación: fibras de palmera mantienen su forma original y trazan sobre el papel un recorrido donde la artista acompaña, en lugar de imponer.

La serie Horizontes representa la búsqueda de serenidad a través de paisajes esenciales, donde la línea entre cielo y tierra se convierte en un espacio de pausa y contemplación.

El papel aparece así como una metáfora de la existencia: una superficie que comienza en blanco y que, con el paso del tiempo, acumula huellas, capas y transformaciones. Cada marca forma parte de un recorrido único.

Transformación nos invita a contemplar la materia y la vida como procesos cambiantes, recordándonos que toda transformación requiere tiempo, escucha y un constante regreso hacia nuestra propia naturaleza.

La exploración del alma

Ana Iturrate

1 noviembre al 28 noviembre

En la historia del pensamiento, la esfera siempre ha ocupado un lugar central. De igual forma ocurre dentro del arte y la espiritualidad, siendo, además, símbolo de armonía, perfección y totalidad. La esfera es unidad, equilibrio universal y expresión de la coherencia entre lo uno y lo múltiple. 

Bajo este planteamiento, Ana Iturrate materializa en sus dibujos y esculturas una idea que puede abarcarse desde tres perspectivas: filosófica, mística y, por supuesto, artística.

Aparentemente simples formas, pero que albergan todo un trasfondo que alimenta el alma. Y es que, si atendemos al misticismo, la esfera se asocia al alma humana concebida como microcosmos, un reflejo interno del orden universal. El centro simboliza el núcleo esencial del ser, aquello que permanece constante y puro frente al devenir.

Desplazarnos al centro representa un proceso de interiorización y autoconocimiento, donde el alma reconcilia sus dimensiones materiales y espirituales para alcanzar la plenitud. Las pesadas esferas de Iturrate, presentan una perfección estática y al mismo tiempo son reflejo del dinamismo, resultado de ese retorno.

En la historia del arte, la esfera es un elemento formal y simbólico. Es poder cósmico y divino que invita a la reflexión del ser y a la contemplación, funcionando como un espejo que contiene y devuelve la mirada del espectador, recordándole su pertenencia al todo que observa.

Así pues, esta forma perfecta se entiende como metáfora del alma humana, entendida como una estructura completa que, en su aparente quietud, encierra la tensión entre lo interior y lo exterior, entre el individuo y el cosmos. Su perfección formal nos remite a la aspiración humana por alcanzar la unidad y el equilibrio, revelando en su geometría la correspondencia entre la materia, el espíritu y la totalidad del universo.

“La exploración del alma” plantea una reflexión intimista del espectador donde cada alma, única y especial , forma parte de un todo más grande. Como diría Herman Hesse "Todo hombre incluye toda la humanidad”.

Pop y acrílico

Saúl Sanguino

12 septiembre al 10 octubre

La nostalgia se abre paso en “Pop acrílico” a través de personajes icónicos de la cultura millenial (y no tan millenial). Todos ellos se reúnen bajo el brillo de los rotuladores acrílicos de Saúl Sanguino.

Inevitable no retrotraerte a la infancia, sus películas y juguetes, tras contemplar las ilustraciones del artista. ¿Quién no ha visto Toy Storie de Disney en su reproductor de VHS? ¿Quién no ha pedido para su cumpleaños o Navidad unos Legos? ¿Qué amante de la historia del cine, no ha visto la primera animación de Mickey Mouse, “Steamboat Willy”?

Cada una de las ilustraciones de esta muestra es un juego. Un juego de líneas y colores que albergan tras de sí los recuerdos más entrañables de nuestro yo más infantil. Una etapa  tierna,sencilla, inocente y divertida.

No podemos pasar la destreza en el dibujo de Saúl y el dominio de los colores. Líneas de dibujo seguras, firmes y limpias que limitan los colores brillantes de las tintas acrílicas. Los colores y detalles juegan un papel fundamental ya que, si la línea de dibujo nos permite reconocer a los personajes, los colores captan la atención total del espectador gracias a la armonía de las combinaciones. Pero, hay que destacar el gran dominio de las luces y las sombras que permiten una mayor bidimensionalidad de la figura, la cual sobresale por el uso de la tinta blanca aplicada a modo de brillo propio de los juguetes de plástico.

Pop y acrílico” es una ventana a nuestro pasado, a nuestros recuerdos de juegos solitarios o compartidos, a abrir la caja del VHS para ver películas en aquellas teles “culonas”.

Ikigai

Expo colectiva emergente

20 marzo al 20 abril

Artistas: Noelia Reyes, Ana Navarrete, Noelia Núñez, Garve Art, Jenny Suárez, Ana Geranios, Maria Hueso y Álvaro Gámez.

Al igual que los idiomas y dialectos cuentan con sus propias palabras para describir los conceptos, el arte es la forma física y tangible en la que los artistas se expresan. La palabra y el arte se convierten en herramientas de transmisión. Las primeras encuentran su medio a través de la oralidad y la escritura, y la segunda a través de los diferentes disciplinas, estilos y técnicas.Esta exposición que lleva por título Ikigai pretende ofrecer un espacio a artistas emergentes que se encuentran en proceso de desarrollo y autodescubrimiento. De manera individual, cada uno de ellos refleja a través de su obra, su ikigai. A nivel particular, cada artista se presenta a sí mismx y nos narra su propio proceso artístico y vital. Las obras se convierten en un reflejo individual que nos revelan sus características particulares a través de la disciplina artística, técnica y estilo que dominan.

La Ventana del Arte se abre para albergar un concepto complejo como hilo conductor, creando un espacio para conocer a artistas emergentes que se encuentran en fase de autoexploración. Además, invita a los residentes de la localidad, así como a cualquier curioso del arte, a participar del ambiente artístico y cultural de nuestro pueblo, San Pedro Alcántara.

Ikigai les invita a abrirse a conocer y conocerse a través del arte y la experimentación propia.Así pues, en este contexto donde el arte es el motor lanzamos una reflexión:

Arte como medio de expresión. Arte como proceso y búsqueda. ¿Arte como sentido de vida?

Alma

 Ana Matías

20 marzo al 20 abril

“Alma” es una exposición que invita a la exploración de nuestro universo interior a través de la figura humana. Independientemente de las diferencias que presentan las personas representadas, todas ellas tienen algo en común que a su vez les diferencia: un alma. El alma es la esencia de lo humano, algo difícil de visualizar. Es algo intangible e inmenso que nos une a algo más grande y superior. Las almas, esa cosa etérea, necesita un recipiente donde residir y experimentar lo tangible, de ahí que el cuerpo se convierta en su residencia.
El cuerpo es el hogar de nuestra alma y está condicionado por diversos factores: el paso del tiempo que lo deteriora, los imprevistos que pueden alterarlo físicamente, las experiencias y momentos vitales que se manifiestan en forma de expresión.
Las almas se reconocen y reencuentran muchas veces, de ahí que nos relacionemos con las personas que coinciden en nuestra historia de vida. Todo suma, individual y colectivamente.
Ana Matías consigue reflejar las historias de vida de cada una de las personas que ha plasmado sobre el papel. En está ocasión, a través de la técnica del grabado nos ofrece una serie de cuerpos semidesnudos, reflejando así la vulnerabilidad humana y la sensación de soledad e introspección. En general, en la producción más reciente de Ana, vemos su interés de plasmar figuras humanas, pero no son ajenas a ella. En sus últimos trabajos ha querido hacer una oda a sus seres queridos, a los que están y a los que no.
En este sentido, es fundamental entender para esta muestra, que lo importante de las personas es su contenido. Invita a la reflexión, a la empatía, a preguntar al que mira desde fuera qué está viendo y si se refleja en la persona de enfrente o no.  

Lo sagrado en lo cotidiano 

Marina Ojeda

16 enero al 16 febrero

Lo sagrado en el cotidiano” nos presenta una reflexión intimista de la artista y arteterapeuta Marina Ojeda. Una exposición compuesta de collages y bellas piezas de
cerámicas que personifican la esencia no solo de la artista, sino del ser humano.
La sacralidad solemos asociarla a ámbitos diferentes a lo cotidiano. No dudamos al entrar a una catedral, por ejemplo, en reconocer lo sagrado. Ni tampoco dudamos ante las espectaculares esculturas budistas que podamos encontrar en un templo en
Tailandia. Pero si cambiamos el enfoque, y pasamos de lo tangible y físico reconocible a nuestros ojos a una visión introspectiva del ser, ¿qué podemos descubrir? Las respuestas pueden ser variadas pues cada persona tiene su propia esencia y forma de
mirar.
Nosotros habitamos un cuerpo, nuestra catedral, que en su interior alberga lo más sagrado: nuestra esencia y la individualidad que nos hace únicos.
¿Y qué papel juega la cotidianidad? Pues como catedrales dinámicas (física e interiormente) estamos en constante cambio insertados en una sociedad compleja en la que habitan otras muchas catedrales y con estructuras rutinarias. La cotidianidad del día a día son esas pequeñas acciones que dejamos pasar desapercibidas pero implican una ritualidad y sacralidad que alimentan nuestra esencia. Pasear por la playa para
relajarte, comer algo rico que te anima, pintar sobre un lienzo para expresar algo, darse una ducha reconfortante después de un día duro de trabajo, todo esto y más son ejercicios de autocuidados normalizados, pero que pueden traducirse en ritos personales que alimentan nuestro alma.
Bajo esta premisa, Marina Ojeda traslada este planteamiento en sus collage y piezas cerámicas que conforman esta exposición donde se presenta el arte como un proceso creativo y creación que invita a la autoexploración.
Por un lado, los collage combinan el lenguaje abstracto con elementos cotidianos reales
como telas, servilletas, elementos naturales. La abstracción es el reflejo de la visión
.

RUTAS Y RETRATOS

Raúl Delgado

 16 noviembre al 30 noviembre

Ante lo desconocido siempre nos surgen una serie de sensaciones y emociones de diferente naturaleza como pueden ser la incertidumbre, el miedo o la curiosidad. También es probable que den todas a la vez. En esta ocasión vamos a centrarnos en la curiosidad.

Para que surja la curiosidad, algo nos ha llamado la atención. Ese algo nace de aquello que creemos entender como lejano, diferente, ajeno y que no tenemos interiorizado. Aunque actualmente estamos hiperconectados, aun nos sigue llamando la atención otras culturas y formas de vida. Esto nos incentiva a iniciar una ruta, tanto física como interna, hacia otras perspectivas y formas de vivir.

Rutas y retratos es una selección de las fotografías del viaje por el Valle del Olmo en Etiopía de Raúl Delgado. El fotógrafo inició su ruta integrándose en la vida cotidiana y las costumbres de aquellos lugares que fue visitando, interesándose por las historias de vida de las personas que conforma aquellas comunidades.

Siguiendo la tradicional fórmula del retrato posado, vemos la belleza del cuerpo femenino enmarcado en un espacio indeterminado que no nos importa, ya que los rostros y las marcas de los cuerpos son suficiente detalles que contextualizan a las mujeres y construyen sus relatos.

Mujeres protagonistas de la composición donde la belleza y lo estético queda supeditado a la expresividad y la diversidad de temas que pueden pasar desapercibidos.

El objetivo de la cámara de Raúl se fijó en la belleza inherente del cuerpo femenino y en lo colorido de sus ropajes y complementos, buscando un deleite estético. Pero tras eso, también consiguió captar detalles que van más allá.

Por un lado, lo que posiblemente nadie se pare a pensar es qué captó una cuestión tan simple como mujeres siendo ellas mismas en su contexto. Las impresiones que se nos generen a las personas de fuera son sólo eso, impresiones ajenas. Ellas simplemente están siendo, existen en un contexto concreto y están viviendo su día a día.

Por otro lado, las fotografías captan temas muy interesantes que nos permite ampliar aun más el discurso crítico de esta muestra. Uno de estos temas es el paso de tiempo. Desde la inocencia infantil hasta la fuerza y resiliencia adulta que puede reconocerse en los cuerpos de estas mujeres. Cuerpos que presentan las marcas naturales del envejecimiento, pero también marcas originadas por manos humanas que poseen una potente carga simbólica y son reflejo de una cultura. La maternidad está presente en esta muestra, visibilizando así las luces y las sombras de este asombroso proceso. Vemos la protección de la madre, la responsabilidad de los cuidados, la evolución del cuerpo femenino, el agotamiento, el amor. Y si nos centramos en los rostros, descubriremos que son el reflejo de un relato. Las miradas nos desvelan emociones y esos ojos tienen una historia que contar. Y es que, el ya mencionado paso de tiempo con sus diferentes fases vitales, determinan y condicionan la expresión de los rostros. Reconocemos empoderamiento, lucha, incomodidad, inocencia, cansancio, vergüenza, fuerza, resiliencia. Raúl no inició una simple ruta en un marco geográfico concreto, sino que abrió paso a la ruta reflexiva sobre cómo miramos y entendemos aquello que nos es ajeno. En esta primera muestra como artista fotográfico, utiliza lo estético y la sencillez del posado para enmarcar los relatos de vidas de mujeres. Rutas y retratos pretende ser la voz de la reflexión a través de la imagen. 

07:07 am

 Bianca de Vilar

Del 15 septiembre al 15 de octubre de 2024

¿Qué cosas se suceden a las 07:07 am?

Dependiendo del día podremos ver casos de personas que vuelven o van a trabajar, amantes de la vida nocturna que inician el retorno a casa u observadores de la belleza nocturna.

Este último caso combinado con el primero, lo encontramos en esta muestra de la fotógrafa Bianca de Vilar. Camino al trabajo a las 07:07 am que da nombre a su exposición, Bianca observaba la rutina diaria. Salir de casa, parar a tomar un café y continuar hacia su último destino, el trabajo.

Una rutina diaria con escenas cotidianas de ámbito laboral. Su herramienta para captar este trabajo de observación: la cámara de su teléfono móvil. Instantáneas de momentos sencillos pero muy personales captados rápidamente con una herramienta muy común que luego volcaba en un álbum de libre acceso, Instagram.

 

Linea de vida

 Elena Camacho

Del 13 de julio al 13 de agosto de 2024

Exposición de pintura abstracta donde los
procesos y situaciones de la vida quedan
retratados como una metáfora visual.


El concepto de la exposición “Línea de Vida” es la exploración de la evolución de la existencia humana, desde el nacimiento hasta la muerte, reflejando los momentos cruciales y las experiencias significativas que conforman la vida.

Quiero transmitir que a pesar de los baches que encontramos y encontraremos, debemos darle un enfoque de aprendizaje y quedarnos con los pequeños y buenos momentos que nos hacen saborear la vida.

 

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